多くの芸術形態と同様に、映画もそのレパートリーの中に、美術や現代美術、建築や文学に至るまで、さまざまな文化的な参考文献を取り込んでいます。映画が参考にする芸術の代表的なものは、台詞や筋書きに挿入される詩などである。しかし、このような比較は、詩を定義すること自体が困難であり、人間の感覚を通して体験するためにスクリーンに映し出される動画である映画を定義するよりもはるかに確実でないことから、むしろ危険である。
また、100年余りの歴史を持つ映画産業が、紀元前2100年に創作されたギルガメシュ叙事詩を起源とする詩と比較して、いかに若いかということも忘れてはならない。 その技巧は文字が作られるよりもずっと古く、その形式と意味は、人間の感情や感覚を強烈に刺激するため、現代にも受け継がれている。このように古く、原初的なものであることから、「映画」という若く萌芽的な芸術メディアの映画製作者が、詩からインスピレーションを得て、観客に意図するメッセージを意図的に高めてきたことは不思議ではない。
ある映画作家は、他の作家が創作した既存の詩を利用せず、そのメディアからインスピレーションを得て、詩とよく似た映画を作ろうとする。印象派の映画監督やフランスのヌーヴェルヴァーグは、伝統的な映画制作の慣習から脱却し、観客の世界観に直接挑戦する物語を作ろうとしました。彼らは、アラン・レネ監督の『椿姫』のような、詩のような映画を創り出した。 ヒロシマ・モナムール 戦時中の占領下のフランスと核兵器で破壊されたヒロシマを、戦争が直接的または間接的に引き起こした2人の人間の目の前で、共通のトラウマを鏡のように映し出し、時間と記憶の認識を曲げます。
しかし、映画製作者の中には、利用した詩が映画の出来事や登場人物の人間模様の寓意であると考え、映画の中で直接詩を利用する人もいます。ここでは、映画の感情やメッセージを高めるために詩を使用した4つの映画を紹介します：
- ギャスパー・ノエ監督の『愛』（2015年）にロバート・フロストの『雪の降る夕べに森で立ち止まる』を添えて。
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この森は誰の森かわかるような気がする。
彼の家は村の中にあるんですけどね；
私がここで立ち止まるのを彼は見ていないでしょう
彼の森が雪でいっぱいになるのを見るためだ。
私の小さな馬はそれを奇妙に思うに違いない
近くに農家がなくやめること
森と凍った湖の間
一年で最も暗い夜。
ハーネスベルを振るわせる
何かの間違いではないか、と問うため。
他の音はスイープだけ
やさしい風と羽毛のようなフレーク。
森が素敵で、暗くて深い、
でも、私には守るべき約束がある、
そして、眠るまでにあと何マイルもある、
そして、眠るまでにあと何マイルもある。
ロバート・フロストの「Stopping by Woods on a Snowy Evening」です。
Enter the Void』や『Irreversible』などの作品で知られるギャスパー・ノエは、熱心な挑発者ですが、『Love』ではテンポを落とし、いつもの目まぐるしいカメラの動きも十分に抑えて、評論家のバーバラ・シャレスに「他人のセックスを2時間以上見るほどつまらないことはほとんどない」と書かせることに成功しました。
3Dで撮影され、2015年のカンヌ国際映画祭で初公開された「Love」は、間違いなく万人受けする作品ではないでしょう。パリ在住のアメリカ人映画学生マーフィー（カール・グラスマン）が、最愛の人と公言するエレクトラ（アオミ・ムヨック）を失い、後悔の念に駆られる姿を描いた性愛映画である。ノエ監督自身の『不可逆』を彷彿とさせるように、事件が逆順に回想され、二人が初めて出会った日から、悲劇的な運命の予兆がすでにあったことが徐々に明らかになる。主人公のマーフィーが、ロバート・フロストの「雪の降る夜に森に立ち寄って」を朗読するのは、この最初の出会いのシーンで、エレクトラを失った鬱屈にとらわれず、約束を守り、人生を歩み続けなければならないという主人公の現在の運命的な運命を暗示しているかのようです。
- キル・ユア・ダーリングス』（2013年）ジョン・クロキダス監督 アレン・ギンズバーグの『聖母讃歌』をリライトした作品です。
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汝、我を持つことを恐れ、我を失うことを恐れている者よ；
偉大なアノダイン、汝自身は痛みの化合物である；
汝、慰める者失脚せよ；
汝の強さは、弱さをはらんでいる、
そして、マインドがわからない、作れない；
だから慎重であり、慎重でない；
汝、一度は貪られ、そして処女の花嫁となる；
汝の幸福は汝の幸福である；
汝の神、死すべき蟠りを抱くが如し、
汝の恐怖、そう恐怖；
恋人、眠る：独身アンタッチャブル、目覚める；
ああ矛盾が矛盾している！
汝の堅い支柱のある宝を解き放て、
Thy rigid regular relax、
汝の懺悔し、溜め込んだ魂を解放せよ；
与える、分かち合う、失う、全体の混ざり合いを知る
二人とも死んでしまわないように、孤立して咲かないように。
アレン・ギンズバーグの「聖母への賛歌」を書き直したもの。
脚本家のクロキダス監督は、彼らの行動すべてをロマンチックに表現しているにもかかわらず、 キル・ユア・ダーリングス は、60年代の文学運動であるビート・ジェネレーションと彼らの自滅的な本能を、必要以上に軽く紹介した作品である。ダニエル・ラドクリフを新入生のアレン・ギンズバーグに、デイン・デハーンをルシアン・カーに配し、ビート・ジェネレーションの理念や実践をあまり理解させずに、宣伝文句に飛び込んでいく作品です。その代わりに、彼らの男性的な威厳と、セットや衣装デザインの洗練されたスタイリッシュなトーンに焦点を当てています。
しかし、ビート・ジェネレーションのファンなら誰でも、スクリーンに描かれた作家たちが、貧しいノスタルジックな魂を癒すために愛する詩を朗読しているのを見るのは、とても新鮮だと認めざるを得ないだろう。さらに、この映画で描かれる重要な殺人シーンは、主人公たちがハドソン川に遺体を投げ捨てようと船に乗り込むシーンで幕を閉じます。その直後に、主人公の2人がクロキダスを朗読し、共同脚本家のオースティン・バンがアレン・ギンズバーグの『聖母への賛歌』を書き直したものが読まれ、間違いなくこの映画のベストシーンの1つになりました。
このリライトは、詩の最後の2行を少し変えただけでしたが、ビート・ジェネレーションを全く新しい世代の観客に開放することになり、60年代の「千、万、汝」をすべて地上にもたらし、現代の観客はビート・ジェネレーションの感情的で無謀で反抗的な性質に、最高の形で没入できるようになりました。
- インターステラー』（2014年）クリストファー・ノーラン監督 ディラン・トーマスの「Do Not Go Gentle Into That Good Night」を使用。
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穏やかな眠りにつくことはないだろう、
老いは、一日の終わりに燃えて憤るべきである；
怒れ、光の滅びに対する怒りだ。
しかし、賢者はその末路において、闇が正しいことを知る、
彼らの言葉は、光に分かれなかったので、彼らは
穏やかな眠りにつくことはないだろう。
善き人たちよ、最後の波乗りをして、どんなに明るいか泣いている。
彼らの虚弱な行いは、グリーンベイで踊っていたかもしれない、
怒れ、光の滅びに対する怒りだ。
飛翔する太陽をとらえ、歌い上げた野人たち、
そして、遅ればせながら、その途上で悲嘆にくれることを知った、
穏やかな眠りにつくことはないだろう。
死と隣り合わせの重厚な男たちが、まばゆいばかりの視力を発揮する。
盲目の目は流星のように燃え上がり、ゲイである可能性もある、
怒れ、光の滅びに対する怒りだ。
そして、父であるあなたは、悲しい高さにいる、
あなたの激しい涙で、今、私を呪い、祝福してください、私は祈ります。
穏やかな眠りにつくことはないだろう。
怒れ、光の滅びに対する怒りだ。
ディラン・トーマスの「Do Not Go Gentle Into That Good Night」。
クリストファー・ノーラン監督の長編映画の中で最も高い興行収入を記録した『インターステラー』をまだ見ていないなら、今がちょうどその時かもしれません。この映画は、滅びゆく地球を描いています。NASAの優秀な物理学者であるブランド教授（マイケル・ケイン）は、人類を救うために、ワームホールを使って人類を新しい故郷に運ぶ計画を立てています。そのためにはまず、元NASAのパイロットであるクーパー（マシュー・マコノヒー）と研究者チームを銀河系を横断する同じワームホールに送り込み、ワームホールの目的地のどの惑星が人類の新しい故郷になり得るかを突き止めなければなりません。
人類の死と戦う物語に詩的に織り込まれているのが、ディラン・トーマスの「Do Not Go Gentle Into That Good Night」である。この詩は、プロットの複数の場面で複数の登場人物によって朗読され、人類を救うためのさまざまな根拠を考察しています。相対性理論や時間経過の問題、異なる生存計画の支持者同士の対立などがあっても、最終的には誰もが自分の考える最善の方法で人類のために懸命に戦おうとしていたことを振り返っている。このように、『インターステラー』でトーマスの詩を使い、人間の普遍的な生存本能を表現したことは、非の打ちどころがない。
- ドゥニ・ヴィルヌーヴ監督『ブレードランナー2049』（2017年）にウラジーミル・ナボコフの『ペール・ファイヤー』を添えて。
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血のように真っ黒な無が回転しはじめた
の中で連動している細胞のシステム。
細胞は細胞内で相互にリンクしている
一本の茎の中にそして恐ろしいほど明確な
暗闇を背景に、背の高い白い噴水が流れている。
ウラジーミル・ナボコフの「ペール・ファイヤー
ブレードランナー2049』では、ウラジーミル・ナボコフの999行の詩『ペイルファイア』のこのセリフが、レプリカントのベースラインテストで、彼らの感覚、つまり、人間に反抗する能力を持つ逸脱者になるほどの自意識があるかどうかを判断するために使われました。このテストは、知らないインタビュアーが驚くほど冷たい口調で行うもので、テストを受けるレプリカントは、質問に対して同情や共感、あらゆる感情の記憶を示すことができない。ベースラインテストの全容は、以下をご覧ください。 これレプリカントは、個人的な質問に対して目に見える反応を示さないだけでなく、インタビュアーが言ったことに反響する特定の言葉を繰り返すことで、その言葉が揺るぎないものか、それとも微妙に揺さぶられて正直に答えているのかを調べる必要があります。
インタビュアー愛する人の手を握るというのは、どんな感じですか？
担当者K：連動しています。
インタビュアー指の感覚は教えてもらえるのでしょうか？
担当者K：連動しています。
インタビュアー心を通わせることに憧れはありますか？
担当者K：連動しています。
映画で見られるベースラインテストは、オリジナルの脚本とは異なり、1982年の映画のヴォイト＝カンプテストに近く、レプリカントの閉所恐怖症的で客観的な体験に変貌していたことが、ドゥニ・ヴィルヌーヴ監督によって、次のように語られています。 面接.ライアン・ゴズリングは、シェイクスピア俳優の技法を使うことを思いつきました。彼らがある言葉を繰り返すと、他の誰かがその言葉に関連する何かを尋ね、その言葉に関連する特定の記憶を誘発し、強制的に思い出すというサイクルを作り出します。このテストの主な目的は、レプリカントを動物のように扱うこと、つまり、最も非人間的な方法で使用される兵士の家畜のように扱うことで、どんな形のためらいも、彼らが現状に抵抗があることを示すことにあります。
ベースラインテストで使われた「ペイルファイア」のセリフは、レプリカントの存在と「人間」の状態をどこか映し出しています。人間が神を演じ、無から生命を生み出そうと決意する前に、すべては「血も涙もない無」から始まったのです。ある意味、すべてのレプリカントは、陰湿な企業によって設計・製造され、権利を認めない社会によって利用される実験用ネズミという起源において「相互リンク」しているのです。
連動する細胞の1つから、レプリカントを専制政治から解放する「恐ろしく明確な」予言された英雄が存在すると信じられており、これが、他のレプリカントと同じように単に脳に移植されたのではないと信じていた子供の頃の記憶の片鱗を見た後に自分自身を信じているK巡査（ライアン・ゴズリング）である。暗闇を背景にした「背の高い白い噴水」は、彼の種族が解放されたこと、あるいは感覚を持つようになったことのヒントを表しています。映画を通して、オフィサーKは徐々に自分の実存の危機と折り合いをつけ、奴隷としての人生とは別の何か、もっと意味のあるものがそこにあると真剣に信じ始めます。ブレードランナー2049』は、感覚と、たとえ最終的にその断固とした信念が盲目になることがあっても、人生の目的を求める感覚の持ち主の傾向に関する哲学的なテーマを見事に探求しています。
この記事はBondan Syamsuとの共同執筆です。
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